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10 grandes escultores que han definido el arte y la cultura

10 grandes escultores que han definido el arte y la cultura
Mariel Argüello

A lo largo de la historia, las expresiones artísticas han ayudando a los seres humanos a dar a conocer sus sentimientos, pensamientos, necesidades y denuncias con una finalidad estética y cultural. Nombres como Rodin, Miguel Ángel y Donatello han compartido su perspectiva a través de algunas de las más importantes esculturas de la historia del arte, teniendo un gran talento de manipular sus materiales para dar vida a diversos sujetos de manera realista y desafiar las expectativas del público. Ya sea cincelando mármol o fundiendo en bronce, el poder de la escultura es innegable.

Sea cual sea su estilo, hemos compilado una colección de grandes modelistas que han creado algunas de las piezas más famosas y que han ayudado a definir el arte y la cultura occidental. Sin sus contribuciones, es difícil imaginar cómo serían las artes visuales el día de hoy.

 

PRAXÍTELES (SIGLO IV A.C.)

Aunque no sabemos mucho de los escultores de la antigua Grecia, un nombre ha sobrevivido al paso del tiempo. Gracias al trabajo de grandes autores como Plinio el Viejo y Vitruvio, Praxíteles se ha convertido en un referente de la escultura griega antigua. No se conserva ninguna de sus estatuas originales, pero conocemos su trabajo gracias a copias romanas de las originales. La Afrodita de Cnido es su pieza más famosa y es el primer ejemplo de una figura femenina a gran escala representada al desnudo. Esta escultura influyó en la forma en que la figura femenina sería representada en la escultura en los siglos venideros.

 

DONATELLO (C. 1386 – 1466)

El escultor italiano Donatello fue fundamental en el impulso del arte y la cultura durante el Renacimiento. Trabajó sobre todo en Florencia, ya que muchas de sus piezas aún se encuentran en la ciudad. Su estatua de David de bronce significó un cambio importante en el arte, ya que fue el primer desnudo de pie desde la antigüedad y marcó el comienzo de la escultura renacentista. El impresionante realismo de su Magdalena penitente de madera ejemplifica lo adelantado que estaba Donatello a su tiempo.

MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475 – 1564)

Aunque solemos relacionarlo con los frescos debido a su increíble trabajo en el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel Buonarroti en realidad se consideraba a sí mismo un escultor. El artista creía que cada bloque de mármol contenía una obra de arte esperando salir al mundo, y que solo necesitaba tallarlo hasta encontrarla. Su icónica escultura de el David es uno de los símbolos más conocidos del Renacimiento italiano y ha inspirado a artistas de todas partes del mundo durante siglos. La dedicación de Miguel Ángel hacia su arte no conocía límites, y siguió trabajando hasta una semana antes de su muerte a la edad de 88 años.

GIAN LORENZO BERNINI (1598 – 1680)

Puede que no haya ningún otro artista que defina mejor el Barroco que Gian Lorenzo Bernini, cuya extraordinaria carrera abarcó casi 70 años. Como niño prodigio, Bernini ya creaba esculturas de mármol a gran escala en su adolescencia. Eventualmente se convertiría en el arquitecto de la Basílica de San Pedro -siguiendo los pasos de Miguel Ángel- creando la icónica plaza y la columnata de la basílica, así como su baldaquino central de bronce. Un experto de los materiales, Bernini es conocido por su grandiosa habilidad para crear movimiento y llenar sus piezas de emociones. En sus manos, el mármol se transforma en carne y hueso, que parece tan real que casi querrás tocarlo.

AUGUSTE RODIN (1840 – 1917)

Se considera que el escultor francés Auguste Rodin trajo la escultura clásica a la edad moderna. De formación clásica, atrajo la atención internacional tras la exposición de sus obras en la Feria Mundial de París. Rodin sigue siendo uno de los artistas más reconocidos del mundo, con varias fundiciones de su obra El pensador localizadas en diferentes ciudades alrededor del mundo. Rodin es conocido por su habilidad para renunciar al realismo y la decoración en favor del uso de la textura, los detalles de la superficie y luces y sombras para transmitir emociones. Su enfoque en la emoción interior y el sufrimiento representa un punto de inflexión en la historia del arte y sirve como sello distintivo del modernismo.

CONSTANTIN BRANCUSI (1876 – 1957)

Pionero del modernismo, Constantin Brancusi fue uno de los escultores más influyentes del siglo XX. Las tradiciones populares son una de las más grandes influencias del artista rumano, aunque también buscó inspiración en culturas fuera de Europa. Sus esculturas son conocidas por sus líneas limpias y geométricas, tal como lo demuestra su aclamada serie Bird in Space. Brancusi también creó una magnífica escultura al aire libre. Endless Columnes una de las tres obras que creó para conmemorar a los héroes rumanos de la Primera Guerra Mundial. Las formas apiladas incluyen un medio romboide en la parte superior del tótem, que simboliza el infinito.

ALBERTO GIACOMETTI (1901 – 1966)

Su trabajo es quizás mejor conocido gracias a sus delgadas y alargadas figuras. Su textura áspera permite al espectador ver la fuerza del trabajo de Alberto Giacometti, que también fue pintor y grabador. Durante un periodo de seis años, a partir de 1938, Giacometti se centró en esculturas de pequeña escala, creando piezas de no más de 2,75 pulgadas de altura. La obra de Giacometti es a menudo un referente cuando se habla del existencialismo y de la condición humana. Muchos estudiosos han sugerido que sus alargadas figuras se relacionan con la falta de significado de la vida del siglo XX.

HENRY MOORE (1898 – 1986)

Conocido por sus esculturas públicas semi-abstractas, el artista inglés Henry Moore fue el escultor más relevante después de la Segunda Guerra Mundial, tanto en Gran Bretaña como en el extranjero. Su trabajo se centra en figuras reclinadas con el tema recurrente de madres e hijos. Las figuras de Moore a menudo se diseccionan en múltiples piezas; sin embargo, sus líneas limpias permiten a los espectadores ver claramente la figura dentro de la forma abstracta. Los aficionados a su trabajo querrán visitar su finca de 24 hectáreas en Perry Green, Hertfordshire. Ahora es propiedad de la Fundación Henry Moore y alberga la mayor colección de su obra.

SOL LEWITT (1928 – 2007)

Reconocido como uno de los fundadores del minimalismo y del conceptualismo, Sol LeWitt saltó a la fama a finales de los años 60. El artista estadounidense prefería el término “estructuras” en vez de esculturas. Se interesó mucho por las formas modulares, que a menudo eran de naturaleza cúbica, y gran parte de su trabajo se realizaba con bloques de hormigón apilados. Más tarde en su vida, comenzó a incorporar formas curvilíneas y colores saturados, lo que supuso un cambio total con respecto a su producción anterior. Un artista polifacético, LeWitt también es reconocido por sus dibujos en paredes y proyectos arquitectónicos.

LOUISE BOURGEOIS (1911 – 2010)

Conocida por su arte público y sus instalaciones, la escultora franco americana Louise Bourgeois alcanzó la fama internacional en 1982, después de que el Museo de Arte Moderno de Nueva York realizara su primera retrospectiva. Para ese entonces, la artista ya tenía más de 70 años y había disfrutado de una prolífica carrera. Basándose en sus propias experiencias de vida, sus esculturas exploran a menudo temas de familia, sexualidad y muerte. En la década de 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como símbolo en su arte. Esta obra fue producida como una edición de seis fundiciones de bronce y mide más de 9 metros de altura; es una oda a la madre de la escultora, que murió cuando era niña, y habla de su fuerza y protección hacia su familia


Con información de My Modern Met

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